9 von 10 Punkten

Zu diesen Bands gehören auch die Jungs von Maximo Park aus England, die mit ihrem Debut “A Certain Trigger” Anfang 2005 die Herzen der Rock-Pop-Gute-Laune-Fraktion im Sturm eroberten. Ihr Sound war neu und abwechslungsreich genug, um kein Mainstream zu sein, aber auch eingängig und tanzbar genug, um ein großes Publikum zu erreichen.

Für ihre zweite Platte “Our Earthly Pleasures” haben sich die fünf Briten zugegebenermaßen eine recht clevere Idee überlegt. Das neue Album ist zwar um einiges rockiger und “heavier” (Sänger Paul Smith) als das erste, aber neu erfunden haben sich die Jungs damit nicht. Um Missverständnisse aus dem Weg zu räumen: Die Platte ist gut, sogar toll, sehr eingängig, mit anstreckenden Melodien, einen Tick schneller als der Vorgänger und insgesamt ein richtig toller Sommersoundtrack - nur hätte jeder der 12 neuen Tracks auch auf dem alten Album zu finden sein können. Maximo Park haben sich hiermit bestimmt nicht neu erfunden, denn eine Prise mehr E-Gitarre und ein paar elektronische Spielereien machen noch keinen neuen Stil aus. Das hier sind unverkennbar Maximo Park, die unverwechselbare Stimme von Frontmann Paul Smith, die endorphinfreisetzenden Melodien, dieser Gute-Laune-Pop, der in fast jeder Lebenslage die Welt ein wenig bunter aussehen lässt, ohne dabei ins Oberflächliche abzudriften.

Maximo Park singen von Mädchen, verlogenen Menschen, dem ganz normalen alltäglichen Leben- und dieses Mal sogar von Politik. Die Texte sind meist erstaunlich anspruchsvoller, als man sich das von einer Band, die doch mehr oder weniger tanzbaren Rock produziert, erhoffen würde. Doch all die verbalen Kunstfertigkeiten treten vor Paul Smith einzigartiger, mit einem leicht britischen Akzent angehauchten Stimme in den Hintergrund - sie ist das Besondere, das Tolle, das Maximo Park ausmacht.

Schon beim Opener “Girls who plays guitars” zeigen sich die Briten von ihrer feinsten Seite, der wiederkehrende und eintönige, aber einprägsame Gitarrenriff im Hintergrund macht aus dem Hit einen Ohrwurm. Im Gegensatz dazu fällt die 1. Singleauskopplung “Our Velocity” mit ihrem elektronisch unterlegten, konfusen Rhythmus ein wenig ab - sehr speziell für die erste Veröffentlichung, aber nach der anfänglichen Eingewöhnungsphase trotzdem ganz nett. Der Anfang von “Books from Boxes”, einem wundervollen Gute-Laune-Track mit melancholischen Unterton (es geht um Liebe), erinnert mich sehr stark an “Postcard of a painting” von der ersten Platte, ansonsten gehört dieser Track mit “By the Monument” zu meinen persönlichen Schönheiten der Platte. Letzteres ist ein äußerst rockig-poppiger Sommerhit, mit rasanten Drums und einem abruptem Finale.

Bei “Russian Literature” wagen sich die Jungs sogar ans Klavierspiel - und das passt so gut ins Konzept, dass es gar nicht weiter auffällt. “Karaoke Plays” fängt still und zaghaft an, wird allerdings im Verlauf lauter und kraftvoller. Ihre emotionale Seite dürfen Maximo Park hier ebenso wie bei “Nosebleed” und “Your Urge” trotzdem zeigen, wobei letzteres durch seine spielerisch-leichte Melodiebegleitung überzeugt. Nach so vielen “seichten” Rhythmen holt “The Unshockable” die Hörer wieder auf den Boden der Tatsachen zurück -sehr schnell, kraftvoll, ansteckend, livetauglich, genau wie der Nachfolger “A Fortnight´s Time”, das wiederum sehr stark an das erste Album erinnert. Der vorletzte Track “Sandblasted and Set Free” ist ein wunderbar melancholischer, und trotzdem rockiger Song mit einem tollen Refrain. “Parisian Skies” handelt, wie schon der Titel verrät, von Paris und der Liebe, und ähnlich dramatisch ist auch dieses Lied, allerdings ohne zum kitschigen Schlusstrack zu werden.

Insgesamt sei “Our Earthly Pleasures” sowohl denen empfohlen, die schon die erste Platte geliebt haben, als auch denen, die erst jetzt auf Maximo Park aufmerksam geworden sind. Eine wundervolle Platte für die Sonnenstrahlen draußen, zum Grillen, Tanzen, Flirten, Spaß haben und Lachen. Wer allerdings großen Wert auf Vielfalt und Abgrenzung legt und das erste Album nicht allzu genial fand, der wird vom neuen mehr oder weniger enttäuscht sein.

Bewertung: 8/10

Erscheinungsdatum: 30.03.2007
Plattenlabel: Warp Records/Rough Trade
Homepage: www.maximopark.com

Genauso überraschend und abwechslungsreich wie das neue, inzwischen siebte Studioalbum “The Exile Itch” , auf dem die Blues-/Brassband nach der Pentalogie neue musikalische Wege einschlägt, sind auch die Antworten von Jochen “Doc” Wenz und Uli “Reverend” Krug vor dem Konzert in der Schaubühne Lindenfels in Leipzig am 21.03.07 gewesen. Zwei äußerst sympathische, eloquente und intelligente Musiker, die besonders im Liveformat auf der Bühen eine absolut umwerfende, mitreißende Atmosphäre verbreiten. Liveeindrücke gibt´s auf der DVD zu “The Exile Itch”, clevere Sprüche und Gedanken hier:

Wir sind eigentlich ein Musikmagazin für Indie- und Alternativemusik, ich bin auf eure Musik auch erst durch einen Freund gestoßen und war sofort begeistert.
Euer Album “The Exile Itch” habe ich in der Abteilung “Jazz” gekauft. Zu welchem Genre würdet ihre eure Musikrichtung zuordnen? Seid ihr mit “Jazz” einverstanden?

Doc: Das ist in der Tat ein Problem, mit dem wir zu kämpfen haben. Ich denke, das ist auch eigentlich ein typisch deutsches Phänomen. Wir haben es in Deutschland mit einer Art von Popkultur zu tun, die mehr oder weniger fein säuberlich eingeteilt ist. Das ist ein Koordinatensystem, das sich auf engstem Bereich bewegt und wo die unterschiedlichsten Sparten von Popmusik in Schubladen gesteckt und etikettiert werden. Eigentlich viel sorgfältiger als in anderen Ländern. Das ist typisch deutsch, dass man eine Band fragt: “Sagt mal was macht ihr da eigentlich? Ist das Rock, ist das Jazz, ist das Worldmusic oder Indie, Gothic, Drum & Base oder was?” Man hat das Gefühl, dass in Deutschland ein Fetischismus betrieben wird um die Kategorisierung von Musik.
Das ist in der Tat bei Mardi Gras ganz interessant, unter was man uns im Plattenladen überall finden kann. In der Vergangenheit war das wirklich so, dass man uns von Jazz über Weltmusik, Rock, Pop bis Country und Blues und auch Folk, aber eben auch Indie und Alternative finden kann.

Und was würdet ihr selbst sagen?

Doc: Das ist eben genau das Problem. Warum muss man sich da überhaupt festlegen? Ich hätte im Grunde genommen gar nicht so viel dagegen, wenn es einfach generell nur das “von A bis Z” gäbe, das fände ich gar nicht schlimm. Denn diese Grenzlegung hat auch etwas ungemein Ausgrenzendes, da steckt ja eigentlich fast schon ein faschistoider Gedanke dahinter, wenn man sich das mal überlegt. Dass man unbedingt sagen muss, ich bin jetzt Indie und ganz bestimmt nicht so oder so, und umgekehrt, wer Jazz ist, ist ganz bestimmt nicht Rock und nicht Indie, würden viele Hardliner sagen. Und das ist ein Problem, mit dem wir seit der Existenz unserer Band zu kämpfen haben, weil wir im Grunde genommen mit den Genres spielen, mit verschiedenen Stilistiken und dass uns nämlich genau dieses Spiel nicht gefällt.

Reverend: Was mir persönlich bei der momentanen Wahrnehmung von Jazz nicht gefällt, ist, dass es mir viel zu intellektuell und (Einwurf Doc: “Lustfeindlich!), ja, lustfeindlich ist und dass ich da eigentlich auf jeden Fall nicht rein möchte. Wenn man eine Kategorisierung vornimmt, dann das auf keinen Fall! Auch wenn man Zeitungen und deren Ansatz nimmt…das ist nicht gut. Das soll jetzt nicht Jazz insgesamt in Frage stellen, aber im Augenblick lieber nicht, so wie ich Jazz mitkriege und wie er rezipiert wird.

Ihr macht relativ ungewöhnliche Musik, eben weil ihr viele Musikstile vereinigt. Wie kommt man denn heutzutage darauf, eine Bigband zu gründen?

Doc: Sagen wir mal so: Wir sind ja im Prinzip eine Brassband, das ist der rote Faden, der sich seit Jahren bei den unterschiedlichen Stilistiken, die wir bedient haben, durchzieht. Der Klangkörper ist mehr oder weniger immer der gleiche geblieben. Wir haben uns gegründet in der Tradition der New Orleans Marchingbands (Daher auch der Name…Anm: “Mardi Gras” = der “fette Dienstag”, der Höhepunkt der Karnevalsveranstaltungen in New Orleans), ja, daher auch der Name, und haben dann gemerkt, dass das ein zu enges Konzept ist, das uns nicht befriedigt, und haben uns dann, um mehr Möglichkeiten zu haben, einen DJ genommen, und meine Position in der Band ausgebaut als Sänger und Gitarrist. Etwas, was es normalerweise in traditionellen Marchingbands nicht gibt. Auf die Art und Weise hatten wir dann eine Truppe zusammen, die in 10köpfiger Besetzung all das bedienen konnte, was unsere Fantasie in dieser Zeit so geboren hat. Das ist auch der Grund, warum wir eine so große Besetzung haben. Am Anfang stand dieser New Orleans-Gedanke, aus dem sich mehr oder weniger unser eigener Stil entwickelt hat, und klassische Marchingbands waren eben dadurch gekennzeichnet, dass es eine typische Besetzung gab, mit dem Sausaphon (der Basstuba) als Bassinstrument, mit einem getrennten Schlagzeug (jemanden spielte die große Trommel und jemand die kleine) und eben sehr vielen Bläser. Damit war klar, dass die Mannschaftsstärke von so einer Band natürlich groß ist. Es war nicht am Anfang geplant, so eine große Band zu gründen, weil das so viel Spaß macht, sondern eben mit dem New Orleansgedanken am Anfang.

Reverend: Bei mir persönlich war das so, dass ich eine ganz starke Faszination verspürte, die von akustischer Musik ausging, also Musik zu machen, die keine Verstärker braucht. Ich habe lange Jahre so was wie Avantgarderock gemacht und habe dann irgendwann gemerkt, dass ich in den ganzen kommerziellen Überlegungen drin bin, also so was wie “Was geht jetzt gerade? Mit was kommt man wohin?”. Ich habe dann auch diverse Kontakte mit der Industrie gehabt, und habe mir dann irgendwann gedacht “Das ist jetzt irgendwie wurscht, ich will eigentlich auf die Straße, ich möchte was machen” und habe mir dann auch mit dem Kontrabass und dem Sausaphon letztendlich gedacht, “Da ist die Bühne, da will ich hin”. Das war eigentlich der Ausgangspunkt, eben zu sagen, diese ganzen Überlegungen des Rock- oder Popgeschäftes möchte ich hinter mir lassen und suche mir jetzt ein eigenes Publikum. Diese ganze New Orleans-, diese Brassbandidee war mir sehr dienlich dafür. Letztendlich eine Band zu haben, die alles machen kann, ohne Strom. Das war am Anfang die Faszination.

Doc: Man muss auch dazu sagen, dass das natürlich in dem Moment, als wir das gegründet haben, was mittlerweile fast 14 Jahre her ist, natürlich absolut neu war. In Deutschland hat es im Prinzip keine Brassbands gegeben. Im Grunde genommen hat die Öffnung zu diesem Genre erst später stattgefunden, nachdem wir das eine Zeit lang gemacht haben. Durch die Emil Kustorica-Filme kam dann der Augenmerk darauf, dass es auch im Balkan eine Brassbandkultur gibt und dann ist dieses Soundbild erst bei uns in Deutschland in die breitere Wahrnehmung gerückt. Aber bei uns am Anfang, als wie das gemacht haben, waren wir eigentlich Pioniere, muss man sagen.

Du hattest vorhin angesprochen, dass ihr eine so große Besetzung habt. Wie sieht denn euer Touralltag aus? Ist es nicht stressig, mit so vielen Leuten zu touren? Wir einigt ihr euch auf eine bestimmte Musikrichtung?

Doc: Das ist zum Glück nicht so schwierig, wie es aus der Ferne aussieht. Wir haben eigentlich eine ziemlich klare Bandstruktur, ohne jemals darüber reden zu müssen. Was manchmal auch ganz faszinierend ist, dass sich hier Leute zusammengefunden haben, die irgendwie auf der gleichen Ebene ticken. Das bedeutet, dass Dinge nicht unbedingt ausdiskutiert werden müssen in dieser Band. Es gibt Dinge, die sind einfach klar. Das macht auch die Arbeit mit einem so großen Klangkörper erträglich. Wenn es wirklich so wäre, dass hier ständig bei jeder Einzelentscheidung im Grunde genommen 10 Meinungen aufeinander treffen würden, dann würde es uns wahrscheinlich nicht mehr geben. Das wäre relativ klar, dass wir das nicht so lange durchgehalten hätten. Das ist so ein bisschen das Geheimnis der inneren Chemie von Mardi Gras.bb, dass es da so etwas gibt wie unausgesprochene Dinge, wie irgendwelche Gesetze, die niemals irgendjemand formuliert hat und die niemand formulieren müsste, und dass das einfach funktioniert. Ich glaube, dass ist auch etwas ganz Besonderes und das spüren auch die Leute auf Konzerten, dass es da so etwas gibt wie einen spirituellen Zusammenhalt in dieser Band und dass es bestimmet Themen gibt, die nicht diskutiert werden müssen.

Reverend: Im Touralltag sieht es natürlich schon so aus: Wir haben zum Beispiel zwei VW-Busse und da gibt’s dann einen Bus, das sind wir, die Theoretiker, die eigentlich auch sehr diszipliniert an das Ganze herangehen und dann gibt’s da noch einen “Hedonistenbus”, das sind die, die dann praktisch an jeder Tankstelle ein halbes Hähnchen essen, die rauchen und trinken und auch immer versuchen, die Soundcheckzeiten zu verlegen, aber das lässt sich alles regeln, irgendwie.

Habt ihr trotzdem eine klare Rollenverteilung, wie “Ihr macht immer die Interviews”, einer hilft beim Bühnenaufbau?

Doc: Das ist wie in der Familie. Ich würde mal sagen, er (mit Blick auf Reverend) ist der Papa, ich bin die Mama, und dann haben wir relativ viele Kinder. Die Kinder sind zum Teil ein bisschen erwachsener und zum Teil ein bisschen kindischer…

Ein Kern von euch tritt auch als “The Mighty Three” auf. Ist es einfacher, zu dritt zu touren oder als Brassband?

Doc: Ich denke, der Gedanke mit “The Mighty Three” war zunächst konzeptionell. Dieser Mardi Gras-Gedanken, den wir ja über fünf Alben zwischen 1999 und 2006 immer wieder neu definiert haben…wir haben uns immer wieder neu erfunden, mit jedem neuen Album. Diese 5 Alben, die ja auch so etwas darstellten wie einen thematischen Verbund (wir haben das die Pentalogy genannt), also 5 Alben, die eine Zeitreise durch die Musik des 20. Jahrhunderts darstellten. Nachdem wir damit fertig waren, ging es uns darum, so etwas wie einen Stoppstein zu setzen. Zu sagen, okay, vielleicht ist Mardi Gras sogar noch viel mehr, vielleicht ist Mardi Gras sogar so weit zu dekonstruieren, dass es ohne Bläser stattfindet und dass wir einfach nur zu dritt eine Art von Rock’n'Roll machen und das ist dann immer noch Mardi Gras. Das ist der Akzent, den wir mit dem Trioalbum setzen wollten. Aber auch ein bisschen, um eine Denkpause zu bekommen, um durchschnaufen zu können, um zu überlegen, was machen wir mit der großen Mannschaft danach, geht die Reise nach der Pentalogie weiter.
Ich könnte jetzt nicht sagen, dass es unbedingt einfacher ist, zu dritt unterwegs zu sein, das hat alles sein Für und sein Wider. Ich sags immer gerne so: Wenn in einer 10-Mann-Kombo 2 ihre Tage haben, dann ist das bedeutungslos. Die werden durch die anderen platt gemacht, weil es 8 andere gibt, die nicht ihre Tage haben. Es ist vollkommen egal, ob einer quengelt oder depressiv drauf ist oder nicht. Das ist natürlich in einem Trio ganz anders. Wenn in einem Trio einer seine Tage hat, ist das scheiße, auf gut deutsch. Das ist die eine Sache. Die zweite Sache ist, dass für mich als Frontmann und Sänger und Gitarrist das Trio viel viel anstrengender ist, weil ich bei Mardi Gras im Grunde genommen ein Orchester hinter mir habe, einen Soundteppich, auf den ich mich draufsetzen kann. Wenn ich hier und da mal unkonzentriert bin oder keine Lust habe, einen Akkord auf der Gitarre zu spielen oder einen Ton zu singen, dann fällt das keinem Schwein auf. Wenn du mit einer Drei-Mann-Kombo, mit einer Rock-Kombo, auf der Bühne bist und musst die Gitarre spielen und singen, dann kannst du keinen Akkord und keinen Ton weglassen. Du musst 90 Minuten lang immer da sein.
Insofern war das auch eine sehr schöne Erfahrung, die mich auch wieder sehr geerdet und inspiriert hat, als wir dieses Album aufgenommen und dann auch diese Deutschland-Holland-Tour gemacht haben.

Reverend: Zu dieser Trio-Geschichte kann ich von meiner Seite aus sagen, es war insofern wichtig, gerade nach diesem ganzen Jazzplattenphänomen in Deutschland, wenn man sagt, okay, das muss irgendetwas sein zwischen Weltmusik und Jazz, dass wir dann mit diesem Trio zeigen wollen, dass für uns diese ganze Brass-Band-Blechbläser-Thematik nur eine Inspirationsquelle ist. Dass es eben auch andere gibt. Es war wichtig, das noch einmal klarzumachen. Das hat sich im Laufe der Entwicklung herausgestellt.
Und von der Reisesituation her…also wenn ich mich zurückerinnere, es war eigentlich auch sehr schön nur zu dritt, wir hatten nicht immer eine Riesenmeute um uns herum. Es ist natürlich so, wie Doc sagt. Aber da hat eigentlich keiner eine Krise gekriegt, so weit ich mich entsinne. Es gab auch immer Einzelzimmer.

Ihr habt ja alle nebenbei noch “normale” Jobs…

Doc: Bei uns ist es eigentlich so, dass alle Leute mehr oder weniger von der Musik leben, bis auf zwei, die noch ein bisschen branchenfremd ein zweites Standbein haben, aber der Rest…man kann zwar von Mardi Gras nicht leben. Wenn wir kleiner wären, könnte man das. Ich denke, wenn wir zu viert wären, könnte man davon leben, aber die Band ist eben zu groß. Es geht einfach durch zu viele Mäuler und wir teilen das auch gerecht. Keiner kriegt mehr, die Gage geht immer durch 10. Und auf die Art und Weise kann man nicht davon leben. Das bedeutet, jeder Einzelne muss einfach gucken, wie er sich noch über Wasser hält. Die meisten machen das nur mit anderen musikalischen Projekten, geben zum Teil Unterricht, spielen in Rundfunkorchestern, spielen im Studio, zum Teil noch in anderen Bands und Projekten, machen Jazz, was auch immer. Aber die allermeisten in der Band sind einfach Musiker, Berufsmusiker.

Aber das war früher anders, oder?

Doc: Nee, das kann man so nicht sagen. Die einzige Ausnahme stellen im Grunde genommen unser spanischer Basedrumspieler, Javier, dar, der noch ein anderes Standbein hat. Der ist Übersetzer, also amtlich geprüfter Übersetzer für Russisch, Spanisch und Englisch. Ich bin zuletzt noch ärztlich tätig (Anm: als Arzt für Haut-und Geschlechtskrankheiten), also wirklich als “Doc”.

Aber das ist doch kein Beruf, den man “so nebenbei” ausüben kann…

Doc: Naja, das kommt darauf an, wie man es organisiert. Ich habe das Glück, dass ich das schon seit langen Jahren so nebenbei machen kann.

Das letzte Mal, als ihr in Leipzig gespielt habt, war das im UT Connewitz, kostenlos “für das Dach” sozusagen. Wie sind eure Erinnerungen an das Konzert? War das anders?

Reverend: Ich habe jetzt auch die Bilder hinterher dazu gesehen, es gibt ja zu “The Exile Itch” die DVD als Beigabe (Anm: ein 90minütiger Konzertfilm). Es ist natürlich ein wunderschönes Gebäude, es hat einfach ein Flair, eine Atmosphäre. Es ist unserem Produzent, Filmcutter und Regisseur total gelungen, die Atmosphäre einzufangen. Mittlerweile würde ich sagen, dass Mardi Gras.bb eine spezielle Beziehung zu Leipzig hat. Das sehe ich sehr gerne. Es ist eine spannende, sehr dynamische Stadt, und für mich noch mal verrückter, weil ich hier in der Nähe geboren bin, in Zeitz, und von meinen Eltern dann auch entführt wurde in den Westen. Ich kann das nicht so ganz genau auf den Punkt bringen, aber ich habe das Gefühl, das hier ist eine geistige Heimat meiner Familie. Es freut mich total, wenn ich meinem Vater erzählen kann, “Ich bin jetzt mal wieder in Leipzig gewesen”. Man erinnert sich dann auch an ganz spezielle Sachen, da ist einfach eine ganz spezielle Verbindung und ich bin auch sehr gespannt, wie das heute Abend wird.

Hat denn das Geld gereicht, das ihr für das Dach eingespielt habt?

Doc: Das wissen wir nicht. Wir hatten bisher keine Rückmeldung. Ich denke nicht, dass das mit einem Konzert getan ist. Ich denke, dass sie mehr gebraucht haben, ich glaube nicht, dass das an dem Abend hereingekommen ist. Wir haben einen Obulus dazu geleistet. Was auch schön ist: Heute sind wir ja hier in der Schaubühne und da hat das Geld schon gereicht, um das Dach zu reparieren…

Reverend: Diese alten Plätze, diese Kinos sind eigentlich wunderschön. Es ist ja nicht alltäglich, in solchen alten Bauwerken zu spielen und in so einer Atmosphäre. Ich bin da eigentlich auch immer sehr gerührt, wenn es so etwas gibt. Bei uns und auch hier gibt es so viele Cineplexe, aber es ist auch toll, wenn es möglich ist, solche Bauwerke zu erhalten und da drin auch Musik zu machen.

Ja, das hat mehr Atmosphäre…und warum ist ausgerechnet dieses Konzert auf der DVD? Und wer hatte die Idee zur DVD?

Doc: Die Idee zur DVD reicht eigentlich schon sehr lange zurück, weil er permanent eine Nachfrage gab zu einem Livealbum. Was für uns persönlich immer eine sehr zwiespältige Geschichte war, weil Livealben schallplattentechnisch schon so ein bisschen eine knifflige Angelegenheit sind. Zum einen weiß man, dass Livealben häufig gefordert werden vom Publikum, sind aber dann letzten Endes etwas, was viele Menschen nicht so richtig attraktiv finden. Es gibt so eine Regel, die besagt, dass Livealben eigentlich mittlerweile in Deutschland unverkäuflich sind, auf eine gewissenArt und Weise. Livealben sind ein bisschen ein antiquiertes Ding. Es gab mal eine Zeit in der 70er, 80er-Jahren, da gab es Livealben, die hatten einen Ruf wie Donnerhall. Da gab es zum Beispiel dieses Doppelalbum von Bob Marley, wo alle Leute gesagt haben, das muss man haben, und das Album von den Alman Brothers, Doppel-LP, das musste man haben. Es gab so eine Zeit, in der es absolut in war, Livealben zu haben. Das hat sich seit den 80er-Jahren brutal geändert, wo man merkte, Livealben sind ein sehr schwieriges Thema. Das mögen manche Leute ganz wahnsinnig, ein gewisses enges Spektrum von Leuten, und andere würden sich niemals ein Livealbum kaufen. Insofern ist das immer eine schwierige Entscheidung für eine Band, ob man ein Livealbum machen soll oder nicht, weil sich die Stimmung wirklich brutal geändert hat. Aber der Wunsch ist über die Jahre immer wieder an uns herangetragen worden, “Macht doch mal so eine Art “Best of Live”" und jetzt haben wir einen relativ eleganten Weg gefunden, das miteinander zu vereinen, eben über das Medium der DVD. Dass man sagen konnte, man macht quasi eine Art Konzertfilm. Und das bricht natürlich auch dieses Genre ein bisschen auf, und da wir da wir das jetzt auch noch kombiniert haben mit der neuen CD, ist das natürlich noch mal besser. Jetzt haben die Leute einfach auf der einen Seite einen neuen Tonträger, auf dem es komplett neues Material gibt, 45 Minuten, und als Dreingabe haben die jetzt auch noch einen Konzertfilm, für das gleiche Geld, wo im Prinzip ihr Wunsch nach einem Livealbum befriedigt ist und gleichzeitig haben sie noch die Bilder dazu. Das erschien und eine gute Idee, seit 2 Jahren schwelte das schon in unserem Umfeld. Die Frage war, wo würden wir es machen? Die Idee kam ursprünglich aus Frankreich, von unserem alten Partner, mit dem wir da zusammen gewesen sind, den es leider jetzt nicht mehr gibt. Der hatte es initiiert und gesagt “Ihr müsst einfach eine Live-DVD machen!”, ob ihr die allein raus bringt oder als Dreingabe zu einem neuen Album. Daraufhin haben wir dann gesagt, okay, das machen wir. Ursprünglich wollten wir es in Paris aufnehmen, haben dort auch ein Konzert aufgenommen, im Flash Dór. Um mehr Material zu haben, haben wir im UT Connewitz noch eine zweite Show aufgenommen. Dann war es umständehalber so, dass die Locations vom Bildschnitt her so unterschiedlich waren, dass man das nicht schön miteinander quer schneiden konnte. Das ging nicht. Unser Produzent hat sich letztlich dann für die Aufnahmen aus dem UT Connewitz entschieden, weil dort auch die Lichtsituation glücklicher war. das hat dazu geführt, dass dieser Parisgig, der sehr toll war, nun nicht auf der DVD ist, aber gut, so was passiert halt im Prozess.

Reverend: Leipzig hat gewonnen…

Doc: (nickend) Leipzig hat gewonnen…

Wo wir gerade bei Konzerten sind…gibt es eigentlich eine feste Fanbase, die immer zu euren Konzerten kommt? Und wie setzt sich allgemein euer Publikum zusammen?

Reverend: Wir haben ja jetzt eine längere Reise hinter uns und zum Teil ist es so wie im legendären Film “…und täglich grüßt das Murmeltier”. Wenn ich mich so zurückerinnere, dann habe ich das Gefühl, dass zum Beispiel in Bielefeld ganz genau immer dieselben Leute kommen (Doc schmunzelt zustimmend). Wir waren auch drei Jahre nicht mehr dort und als ich dann wieder dort war, dachte ich “Das ist genau wieder so!” Das ist auch schön, sehr speziell, das ist unter Umständen auch das, was für uns in Bielefeld möglich ist, das möchte ich jetzt nicht unbedingt weiter reflektieren. Ansonsten sind wir eigentlich froh, wenn sich etwas ändert, wenn man auch neue Plätze sieht.
Wir haben jetzt gerade in Hamburg großes Glück gehabt, einen Veranstalter zu finden, der einen neuen Konzertsaal betreibt, der in einem sehr pittoresken Gebäude liegt, in einem alten Bunker. Da ist dann auch viel mehr Dynamik darin, es sind auch junge Veranstalter. Das finde ich persönlich immer wichtig, wenn man nicht in so ausgetretene Pfade reinkommt, wo die Leute dann sagen “Okay, also ihr wollte jetzt auch noch Rotwein? Das gibt’s bei uns normalerweise nie…! Da hat man dann immer Ärger, ruft die Agentur an (”Wieso, sagt mal gibt’s denn hier NIE Rotwein? Das kann doch gar nicht sein?”). Es liegt dann gewisserweise an diesen ausgelatschten Strukturen, das dann die Leute sagen “Ja wir machen schon seit 20 Jahren Jazzveranstaltungen und jetzt kommt eine Gruppe, die will auf einmal Rotwein? Das machen wir halt nicht!” Es ist besser, wenn das wechselt, wenn man generell einen Anschluss findet, wenn man letztlich auch in einer jungen, dynamischen Szene drin ist.
Wir probieren das gerne aus, wir haben jetzt auch ein paar ganz gezielte Experimente gemacht, in Hannover sind wir zum Beispiel in einen Laden gegangen, der in dieser Punk-/Undergroundszene drin ist, das war in gewisser Weise auch interessant. Da war die Bühne so niedrig, dass ich selbst im Sitzen mit dem Sausaphon kaum spielen konnte. Das ist auch immer toll, wenn man dann auf der Bühne sitzt und alle Leute rauchen und blasen dann auch so den Rauch hin…du sitzt dann da und wirst von 150 Leuten mit Rauch zugepustet. Aber gut, da gibt’s in jeder Stadt spezielle Themen und manchmal auch keine Entwicklung, leider. Das wäre toll, wenn es von mir aus auch in mittelgroßen Städten eine Variationsbreite gäbe, aber das ist halt leider nicht so. in Städten wir zum Beispiel Marburg habe ich das Gefühl, wenn da Semesterferien sind, ist da überhaupt niemand mehr. Die gehen dann alle wieder nach Hause oder woanders hin. Das ändert sich querbeet. Für uns kristallisieren sich dann letztendlich ein paar Lieblingsstädte heraus und da zählt natürlich Leipzig dazu. Glücklicherweise auch Hamburg, das ist auch eine Stadt, die ich sehr mag, und Berlin war eigentlich toll. Dort ist es dann so, das man wechseln kann, da ist es nicht wie “…und täglich grüßt das Murmeltier”. Wenn man nach 2 Jahren wieder nach Bremen kommt, da weiß man genau, da ist der Fred und die Karla, und der Ludwig, die sind alle wieder da. Das ist eigentlich auch gut, wenn es eine Basis gibt in diesen ganzen Konzertgeschäft, die sich ein bisschen verändert und bewegt.

Woran merkt man, dass ein Konzert gelungen ist?

Doc: Oh das ist schwierig, dafür gibt es kein Kochrezept. Das können ganz unterschiedliche Sachen sein. Ich habe zum Beispiel auch schon ein Konzert erlebt, vor wenig Publikum, wo ich trotzdem befriedigt von der Bühne runter gegangen bin. Das ist extrem vielschichtig. Es gibt manchmal zum Beispiel Abende, da haben wir miteinander so viel Spaß auf der Bühne beim Musizieren, dass das Publikum eigentlich gar nicht mehr so sehr wichtig ist. Das ist aber eher selten, muss ich zugeben. Wir sind natürlich schon fixiert auf die Leute, für die wir spielen, die uns auch selber verstehen, als Leute, die eben nicht für sich Musik machen. Weil sonst könnte man ja auch onanieren gehen, mehr oder weniger, sondern es geht uns immer auch natürlich ums Publikum. Wie gesagt, manchmal entwickeln wir eine gewisse Dynamik auf der Bühne, dass uns das auch selber miteinander so Spaß macht, dass uns dann auch ein kleines, glückliches Publikum ausreicht. Aber ich muss sagen, idealerweise finde ich immer ein Publikum toll, das sensibel ist, das macht mir viel Spaß. Das kann mich manchmal mehr befriedigen vor Leuten zu spielen, von denen ich spüre, dass sie die Bewegung des Konzertes mitgehen, dass sie die mitfühlen, das Energieniveau, das eben schwankt, dass sie das emotional mitverfolgen. So ein Publikum kann mir, auch wenn es nicht so zahlreich ist, lieber sein als ein Publikum, das von Anfang an die Energie vorgibt. Das gibt es auch, also eine volle Hütte, wo du das Gefühl hast, von Anfang an sind da alle irgendwie sehr auf Party fixiert und ziehen das dann einfach durch, egal, ob du einen langsamen Song spielst oder einen schnellen, das gibt es auch! Das ist wirklich ganz unterschiedlich. Ich könnte jetzt nicht sagen, was eine tolle Show ausmacht, vielleicht am ehesten das. Aber das geht’s bestimmt jedem in der Band anders damit, jeder hat andere Bedürfnisse, aber ich persönlich mag es, wenn ich spüre, dass das Publikum sensibel ist für das, was ich mache. Das macht mich persönlich glücklich, weil ich mich dann verstanden fühle. Dann habe ich das Gefühl “Message understood”, ich war nicht umsonst hier, hier sind Leute, die fühlen so, wie ich fühle. Das ist mir persönlich das Sympathischste. Das ist aber jeden Abend und von Stadt zu Stadt sehr sehr verschieden, muss man sagen. Da gibt es alle Möglichkeiten.

Reverend: Das gibt es für mich persönlich auf verschiedenen Ebenen. Ich fühle mich wohl, wenn ich selber gut gespielt habe, dann ist es mir unter Umständen auch egal, wie viele Leute da waren und wie die Leute drauf waren. Aber bei Mardi Gras ist es eigentlich so, dass wir das Ei des Kolumbus gefunden haben mit der ganzen Gruppe. Es gibt eigentlich immer, und das merken wir auch, wenn wir am Schluss ins Publikum gehen, eine tolle Stimmung. Generell. Es ist fast so, dass ich das gar nicht anders kenne. Aber es gibt natürlich so gewisse Ausnahmesituationen, das ist mir eingefallen, als der Doc so erzählt hat. Ich kann mich zum Beispiel erinnern, das war ein Moment, der mich auch extrem gerührt hat…wir haben vor ein paar Jahren mal bei einem Jazzfestival gespielt, da konnte leider unser DJ nicht mitfahren, weil er als Türke kein Visum gekriegt hat, sich auch zu spät gekümmert hat. Da gibt es eine Stelle bei “Under control”, wo dann einfach alles aussetzt, und da waren 15.000 Leute da - und es war total still. Da hatte ich das Gefühl, das funktioniert, das ganze Ding. Da gibt’s e auch so andere Sachen, ganz pittoreskerweise fällt mir ein, das war für mich auch ein tolles Erlebnis. Wir haben das erste Mal in Papillon gespielt glaube ich, in Südfrankreich, da gab es auch ein paar ganz verrückte Situationen. Als der Doc von der Bühne gegangen ist, haben wir ein Instrumental gespielt und da ist einer aus dem Publikum hoch gekrabbelt und der stand auf einmal am Mikrofon und war kurz davor anzufangen zu singen. Der ist dann auch von einem riesigen Securitymenschen gepackt worden, der hat den einfach geschnappt von hinten und ins Publikum geschmissen. Meiner Erwartung nach habe ich gedacht “Jetzt gibt es bestimmt eine Massenschlägerei, jetzt geht etwas ganz Fürchterliches los”, aber die haben sich alle total gefreut! Das war eine unheimlich körperliche und physische Situation. Und am Schluss, als es dann darum ging, “Gehen wir jetzt da runter, kann man das überhaupt machen?”, weil die sind so extrem rumgesprungen…und wir sind dann aber trotzdem runter und ich habe mitgekriegt, die sind eigentlich alle so nass geschwitzt wie wir auch und da habe ich gedacht “Das hat funktioniert”.

Mardi Gras in drei Worten?

Doc: Geht nicht.

Reverend: Da kann ich jetzt pathetischerweise sagen “Mittlerweile mein Leben”…

Das sind drei Worte, ja.

Reverend: Okay, also gut, dann lassen wir das so stehen!

Vielen Dank für’s Interview!

Das Interview führte Caroline Baetge am 21.03.2007 in der Schaubühne Lindenfels, Leipzig. Live-Bilder ebenfalls von Caroline Baetge.

Website: www.mardigrasbb.com

Sicher, auf den ersten Blick ein elegantes, graphisch anspruchvolles Cover und beim ersten Aufklappen der CD stellt sich der typische „Aaaah-Effekt“ ein, so lange hat man auf diesen Moment gewartet und so sehr möchte man diesen nun auskosten.

Umso enttäuschender dann der Eindruck nach dem ersten Durchlauf: Das war´s? Ist da jetzt irgendetwas hängen geblieben? „.limbo messiah“ ist eine Platte, die man sich erst schön hören muss, in dessen Klangstrukturen man sich hineinfizzen muss, um sie letztlich doch zu mögen.

Der Opener „As I please” mag auch nach 10maligem Hören nicht so richtig zünden – sehr schnell, sehr laut, sehr rockig, aber nicht wirklich mitreißend und eine Prise zu unmelodiös. Ein sehr kraftvolles Stück für den Anfang einer Platte, das im Verlauf besser wird und letztlich doch überzeugen kann.

„Jane became insane“, ein Stück, das inzwischen jeder kennt, und das, hatte man sich gerade damit angefreundet, doch schon wieder ein wenig nervt. Immerhin singt Schlagzeuger Tomate alias Thomas Götz diesmal nicht ganz so schief und in besserem Englisch als bei „Another Girl, another planet“. Auch mit dem dritten Lied „Sharp, cool and collected“ kann ich mich so gar nicht anfreunden, ähnlich aggressiv wie „Loyal to none“, aber ohne diese Spur von Charme und dem Mitgrölrefrain.

Dafür wird das fünfte Album der Berliner ab Lied 4 besser, versteckt sich an diesem Platz auch „Meantime“, das bereits nach dem ersten Hören mein erklärtes Lieblingslied war. DAS sind die Beatsteaks! Diese typische Melodieführung, die gleichzeitig mitreißend und aufrührend ist, diese teils quietschende, krächzende, aber immer kraftvoll-mitreißende Stimme von Arnim, die E-Gitarrenbegleitung im Refrain, der einprägsame 2-Zeilentext, DAS ist ein Ohrwurm! Und gegen Ende will ich nur noch aufspringen und tanzen, tanzen, tanzen.

Ein weiteres wirklich tolles und sehr Beatsteaks-untypisches Lied ist „She was great“. Ziemlich chillig und fast ein wenig soulig, sehr basslastig und definitiv „great“. Herr Teutoburg-Weiß muss wohl sehr viele Östrogene geschluckt haben, um so hoch singen zu können. Mit der spartanischen Gitarrenbegleitung im Hintergrund das ruhigste Stück des Albums – und wohl auch das genialste.

Der Rest der Platte ist ziemlich laut, schnell und schreilastig. Man kann sich jetzt schon vorstellen, wie Zirkuskind Arnim die kommenden Konzerte wohl mal wieder kurz unterbrechen muss, um die wild pogende Masse etwas zu beschwichtigen.

Weitere gute Stücke auf dem 31-Minutenalbum sind „Cut off the top“, ebenfalls sehr basslastig und düster, der Refrain aber auch irgendwie verdammt cool.

„Demons Galore“, „Bad Brain“ und „Soljanka“ sind mir eine Spur zu aggressiv und unrhythmisch, um sich bei mir einzuprägen. Irgendwie auch wieder typisch Beatsteaks, aber eben auch zu uneingängig, um zu zünden.

„Hail to the Freaks“ dagegen ist ein Lied, das einen in alten Boulettenzeiten schwelgen lässt, rockig, cool, ansteckend und mit einem tollen Mitsingrefrain.

„e-g-o“ stellt ebenfalls einen extrem tanzbaren und würdigen Anschluss dar. Mit Thomas´ Stimme und Arnims kraftvollen Geschrei höchst livetauglich.

Intellektuell anspruchsvolle Texte vermisst nicht wirklich einer, stehen die Beatschnitzel doch vor allem für eines: Spaß, tanzbaren Rock, Punk und sehr viel gute Laune.

Dass sich die fünf Bouletten vor einem Jahr auf einen Bauernhof in ein kleines Kaff in Brandenburg fuhren, um erste Melodien zusammenzubasteln, merkt man „.limbo messiah“ wahrlich nicht an. Denn beschaulich und ruhig ist die Platte ganz sicher nicht.

Obwohl man Ohrwurmmelodien wie „I don´t care“ oder das immer noch großartige „Hand in Hand“ eher vergeblich auf dem neuen Werk sucht - denn, bei aller Beatsteaksliebe, so genial wie „Smacksmash“ ist sie ganz sicher nicht – schleicht sich „.limbo messiah“ doch langsam in mein Herz und meine Beine. Allmählich, aber stetig.

Anm: Die „deluxe edition“ inklusive dem 40 Minuten-Film „Demons galore the movie“ und weiterem Bonusmaterial sei natürlich sowieso jedem empfohlen, der die Beaststeaks auch nur im Entferntesten zu seinen Lieblingsbands zählt. Lachanfälle garantiert.

Bewertung: 7/10

Erscheinungsdatum: 30.03.2007
Plattenlabel: Warner Music
Homepage: www.beatsteaks.org

Aber der Schein kann trügen. “Zum Glück!” möchte man hier wohl sagen. Denn auf “Sins” sind 10 wunderschön anmutende Schweden-Pop-Perlen zu finden, die ein dickes Lob verdienen. Das mag wohl zum einen an der Hilfe des netten Herrn Produzenten, auch als Existenzminimum bekannt, liegen. Schließlich trommelt dieser für den allseits bekannten Moneybrother und muss somit Ahnung von guter Musik haben. Dennoch: der Band an sich sollte man genauso ein wenig Talent zugestehen, denn sonst wäre ein Album wie “Sins” sicherlich nie so entstanden.

Fangen wir nur mal mit der Singleauskopplung “Adapt” an. Ich denke, dass wirklich jeder noch so große Tanzmuffel mindestens mit dem Kopf hierzu nicken würde, zu diesem wunderbar flockigen, eingängigen Lied. Und wer so oder so gerne tanzt, der macht das zu diesem Lied einfach wie ich vor dem heimischen Spiegel. Mit sehr viel Charme trällert sich dieser Song aus dem CD-Player und nimmt den ganzen Raum für sich ein. Auch schön: die kleinen Streichereinlagen, die das ganze noch ein bisschen edler sowie melodischer machen.

“Always on my mind”, die netteste Pop-Ballade der Platte, kann man getrost als den Hit der ganzen bezeichnen. Obwohl die Stimme von Christian Björkman einigen zu “heulsusig” sein könnte, kann es keiner leugnen: dieses Lied hat die Kraft, sich sofort einen Weg in jedermanns Herz zu bahnen. Denn “Always on my mind” prägt sich bereits so dermaßen beim ersten Hören, dass man am liebsten sofort die Repeat-Taste drücken möchte.

Der Facettenreichtum von “Sins” ist wahrscheinlich nicht irrsinnig groß, trotzdem scheinen die Antennas zu wissen, wann es Zeit zum Tanzen beziehungsweise Schmusen ist und so zieht sich ein roter Faden durch ihr Album. Herrlich imposante Lieder wie “Someone for us all” treten da gegen zum Hüftschwung auffordernde Songs an, zu denen zum Beispiel “It’s not over” gehört.

Dieser Mischmasch an Indie-Pop und Lo-Fi ist ziemlich gut gelungen, auch wenn nicht sofort eingängig. Wenn es nach mehrmaligem Hören jedoch erst einmal gefunkt hat, möchte man Sins” von den Antennas nicht mehr hergeben. Wer also auf netten Schweden-Pop jenseits von Mando Diao Lust hat, sollte mit diesem Album mehr als zufrieden sein.

Bewertung: 7/10 Punkten

Erscheinungsdatum: 09.02.2007
Plattenlabel: Decoder Records/Alive
Homepage: www.antennas.se

Enttäuschend ist das neue Album sicher nicht, arbeitete doch kein Geringerer als Johnny Marr von “The Smiths” als Gitarrist und Co-Autor mit.

Das Video zur ersten Singleauskopplung “Dashboard” ist zwar etwas gewöhnungsbedürftig, aber ähnlich speziell sind ja auch die bescheidenen Mäuse…

Reinhören könnt ihr in “We Were Dead Before The Ship Even Sank” auf der Website des deutschen Labels Red Ink von Modest Mouse.

Website: www.modestmousemusic.com

Was ich euch jetzt präsentieren möchte, ist mein vorläufiger EP-Tipp des Monats. Die Band Vanda hat es sich nämlich einfach so erlaubt, ihre kleine Tracksammlung so toll zu gestalten, dass ich gar nichts anderes als “Gebt mir mehr” sagen kann.

Die “Artichoque.EP” überzeugt schon nach dem ersten Hören. Durch eine wahnsinnig reizende Stimme, beigesteuert von Sängerin Jenny Ochlich, geschickt gemachte Arrangements, kleine auflockernde Elektroeinsätze und einfach eine tendenziell packende Grundstimmung in den Songs nehmen die sechs Liedchen der fünf Dresdner sofort in ihren Platz im Hörerkopf ein. Was sie dort wollen? Definitiv bleiben.

Schon allein der Opener “Skunk” ist klasse. Eine wunderschöne Melodieführung im Refrain ermöglicht einen sofortigen Einstieg in das Lied und macht es somit zum kleinen Ohrwurm des Tages. Und ich kann es immer nur wieder sagen: Die Stimme, einfach klasse. Das klingt für mich nicht so quirlig mädchenhaft, sondern nach Einfühlsamkeit sowie Liebe zur Musik. Der Song ist lebendig, vermutlich live mehr als tanzbar und als erster Track der EP ziemlich klug ausgewählt.

Auch “Digging my soul” hat es mir angetan. Leicht rockig, sehr klangreich und gesanglich wieder ganz vorne, so hat das zu sein. Wer da nicht mitnickt, hat einen steifen Hals oder einfach überhaupt keine Ahnung von toller Mucke.

Klar, keines der Lieder ist so richtig freudig, aber vielleicht macht gerade das die Band Vanda aus. Sie können die Melancholie behalten, ohne sie zu gewaltig werden zu lassen, die Gefühle erschlagen oder überfordern den Hörer nicht. Sie sind einfach da und geben den Songs das gewisse Etwas. Ausbrüche sind möglich und werden durch das Drumherum der Songs netterweise angeboten. Ganz neu ist das nicht unbedingt, dennoch, es funktioniert und das zählt im Endeffekt.

Die Mischung aus Pop, Rock und ein bisschen Elektro macht die “Artichoque.EP” äußerst interessant, trotzdem braucht sie Zeit, um sich komplett zu entfalten. Vanda sind kein schnelles Hörerlebnis, sie wollen genossen werden und das haben sie sich bei dieser stimmungsvollen EP wahrhaftig verdient. Also Vanda, gebt mir mehr und wer weiß, vielleicht könnt ihr dann auch mal mein Album-Tipp des Monats werden…

Bewertung: 7,5/10 Punkten

Erscheinungsdatum: 26.01.2007
Plattenlabel: Global Mutation/Neo(SonyBMG)
Website: www.vanda-music.de

Die drei Jungs von den “Batts”, wie sie liebevoll von ihren Fans genannt werden, setzten eines schönen Tages im Jahre 2002 der Kleinstadtkaff-Langeweile ein Ende und gründeten ihre eigene Indie-Rock-Pop-was-auch-immer-Band. Egal was, Hauptsache anders sein, Musik machen! Und das gar nicht mal schlecht. Man hört den Österreichern weder ihre Herkunft noch ihr Alter an, und auch für ein Debut klingt die Platte recht ausgewogen – was auch daran liegen könnte, dass die Jungs schon eine Handvoll Demos veröffentlicht, hunderte Eigenaufnahmen und eine kleine Tour durch Österreich gemacht hatten, bevor sie in Berlin ihre Platte aufnahmen.

Besonders der Opener “Style me up while everything explodes” ist eingängiger Kreischrock vom Feinsten, der auf Anhieb überzeugt. Der Rest des Albums fällt im Vergleich etwas schwächer ab. Nicht schlecht, stets hörbar, doch etwas zu eintönig, zu viele Melodien, die ähnlich klingen, zu viel Gitarrengeschramme, der die Ohren strapaziert. Oft wird der schnelle, laute Ohrsturz unterbrochen durch kürzere, langsamere, melodischere, teils sogar instrumentelle Passagen, die gerne länger hätten ausfallen können. Ein bisschen Erholung zwischendurch wäre empfehlenswert, um die Platte zum Ohrwurm zu machen, zum eingängigen Indierock. Für ein Debut sehr gut, für einen Evergreen zu anstrengend. Aber dennoch sehr livetauglich, gerade wegen all dem Geschramme und Geschrei, dem Rock in seiner rauen, reinsten Form, der nichts von Mainstream hat.

Eines ist die Platte jedoch sicher: individuell. Auch wenn inzwischen jeder Band dieser Stempel aufgedrückt wird. Vor allem Wolfgang Möstls Stimme und dessen teils krächzender, teils sanfter Gesang, der mich entfernt an Placebo erinnert, sticht hervor und passt prächtig zu den mit viel E-Gitarren unterlegten Melodien. Auch das Akkordeon, das zum Schluss von “Imitations told us so” erklingt oder das Sirenengeheul bei “Cherish some spoken words but record our laughing”, überraschen, passen jedoch ganz hervorragend. Die einzelnen Übergänge der Lieder sind allerdings so fließend und abrupt, dass man oft gar nicht merkt, wann das nächste beginnt – und irgendwann ist die CD zu Ende und man fragt sich, was jetzt eigentlich die Favourites waren. Wahrscheinlich bleibt es bei Lied 1.

“Extra extended Expressions” allerdings sticht in der Mitte der Platte hervor, beweist die Jungs damit, dass sie auch Ohrwürmer mit Hitpotenzial fabrizieren können. Das nicht enden wollende Instrumentalgeklimpere am Ende von “Up when you crash” hingegen nervt einfach nur, und auch beim folgenden Lied wirken die puren instrumentellen Phasen zu lang und dadurch eintönig. “Hollywood is forever ok” hingegen wirkt durch die sekundenschnellen Wechsel von lauten zu leisen Passagen recht interessant und so gar nicht langweilig.

Zu den Betreibern ihres Labels Siluh Records gehört neben Bernhard Kern übrigens auch Robert Stadlober, der sich zeitweise auch selbst als Rocker seine Brötchen verdient. Sogar ein eigenes kleines Label namens Numavi Records besitzen die Steirer, auf dem sie Musikversuche von Freunden veröffentlichen und dessen Werkstatt sie liebvoll “Sergeant Raufbolds Kommandozentrale” nennen. Irgendwie sympathisch. Und herrlich normal.

Und eines muss man den Jungs aus der Steiermark zugestehen: Sie klingen herrlich unverkrampft, eigenwillig und so, als würden sie sich einen Dreck scheren um Indiegrößen-vergleiche aus Übersee. Ihre Musik ist originell und individuell genug, um zu überzeugen, und anstatt das herauszukehren, wirken sie so, als wäre es selbstverständlich. “Killed by 9V Batteries” bleibt trotz einiger Schwachstellen im Debut dennoch eine Band, die man sich merken sollte. Auch wenn das eine kleine sprachliche Herausforderung voraussetzen müsste. Verdient haben es die Jungs.

Bewertung: 7/10 Punkten

Erscheinungsdatum: 02.02.2007
Plattenlabel: Siluh/Broken Silence
Website: www.killedby9vbatteries.com

The Galan Pixs Record Release Party zum neuen Album “Introducing The Band”. Hier das Programm und die Infos:

The Galan Pixs
+ acid.milch&honig
+ Kumpels & Friends DJ-Team

Die Leipziger Band THE GALAN PIXS gehört zum Visionärsten und Vollmundigsten, was Leipzig derzeit Pop-seits zu bieten hat. Eine Band, welche in den letzten Jahren mit ihrer Musik sogar englische Bühnen erobern konnte, mit Depeche Mode - Produzenten John Fryer im Studio und Größen wie HIM, Anne Clark, Phillip Boa oder Briskeby auf der Bühne stand und Remixes für Front 242 anfertigte.

Gerade schlossen sie die Arbeiten zu ihrem neuen Album “Introducing The Band” ab, welches zwischen den Polen Rock`n`Roll und schwelgerischer Electro-Pop-Euphorie intelligenteste Song-Kompaktheit zelebriert. Dieses soll nun in höchst offizieller Weise mit Konzert, Album-Vorabverkauf und Videoshow in der GROOVESTATION gefeiert werden.

Das Vorprogramm wird von dem ebenfalls aus Leipzig kommenden Ein-Mann-Projekt Acid, Milch & Honig bestritten. Beim ersten Kontakt mit der Musik von Acid, Milch & Honig mag euch seine Mischung aus deutsch-angelsächsischen Texten und seinem Indie-Elektro-Chaos, auch ELEKTROPUNK genannt, vielleicht noch etwas kurios vorkommen. Doch bereits ein paar Minuten später werdet ihr euch beim Hüftenschwingen und Mitsingen erwischen. Und wer eine musikalische Referenz braucht, dem sei Mediengruppe Telekommander gesagt.

Im Anschluss an die Konzerte gibt’s Pop, Indie & Co. aus der Konserve mit dem Kumpels & Friends DJ-Team.

Weitere Infos:

• The Galan Pixs
• acid.miclh&honig

Die kompletten Termine findet ihr auf offiziellen Virginia Jetzt Website. Dort könnt ihr auch in “Land unter” reinhören.

Nachtrag: Am 02.03(Osnabrück) und 03.03(Dresden) springt Justin Balk für den erkrankten Roman Fischer ein. Die nachfolgenden Termine(04.03 - 10.03) soll Roman allerdings wie gehabt als Support spielen können.

Website: www.virginia-jetzt.de

Die Tanzschuhe müsst ihr übrigens nicht Daheim lassen. Maximo Park kommen bereits kurz nach Veröffentlichung ihres neuen Albums auf Tournee. Hier die Dates:

• 09.04. Bochum - Zeche
• 10.04. Berlin - Lido
• 11.04. München - Atomic Cafe
• 13.04. A-Wien – WUK

Website: www.maximopark.com

Gitarren, Bass, Schlagzeug und Gesang - gefühlsvoll, treibend, kraftvoll, gerade heraus - leise und laut - man beginnt im Verlauf des Albums zu denken, dass sie einfach alles beherrschen. Sie bieten ein breites Spektrum an penibel arrangierter, hochklassiger Rockmusik mit starkem Gefühlsfluss und fühlen sich dabei scheinbar auf jedem Gebiet wohl.

Belasco haben schon mit ihrem Best Of-Werk “Something Between Us” ihr Potential bewiesen und setzen sich mit dem jetzigen Album die Krone auf. Gehandelt werden sie mit Bands wie Starsailor und Keane, zeitweise auch schon mit Musikgrößen wie Coldplay. Ihr unvergleichlicher Sound und ihre großen Ambitionen durch Songs wie “The Earth” sind einfach nicht zu unterschlagen und stellen den Fuß in die Tür, wenn es um den Erfolg der Band gehen soll. Bisher stellte sich dieser trotz der hohen Qualität der Alben noch nicht so recht ein, verkauften Belasco weltweit doch nur 30.000 Platten in den letzten fünf Jahren. Natürlich ist auch das schon ein beachtlicher Erfolg, neben den hunderten von Live-Shows die die Briten rund um den Globus spielten unten anderem auch mit Künstlern wie Iggy Pop, Bright Eyes oder auch The Cardigans, jedoch erfüllt der spärrliche Erfolg längst nicht die Erwartungshaltungen der Band und Kritiker.

Um mit diesem Album nun endlich den längst verdienten Durchbruch, der wohl auch den Irrungen und Wirrungen der Bandgeschichte bisher zum Opfer fiel, zu erreichen, haben sich Belasco für ihr Album “61″ Produzent Richie Kayvan (Oasis) ins Boot geholt und ganz auf ihre bandspezifische Musik gesetzt: “Früher wurden wir häufig dazu überredet unsere Musik zu sehr zu verkomplizieren” kritisiert Sänger Tim Brownlow. Doch damit ist nun Schluss, Belasco haben zu sich gefunden und das bringt der Band noch eine weitere Steigerung ihrer Leistung ein.

“Swallow”, der erste ruhigere Song des Albums, hat gleichzeitig Hitcharakter. Er beginnt bedacht und ruhig, steigert sich bis hin zu einer wahren Welle an Melodien und Gefühlen. Hat diese Musik einmal das Ohr erreicht, so bekommt man diesen Song, genau wie seinen Vorgänger “The Earth” nicht mehr aus dem Kopf. Man kann sich gar keinen besseren Beginn eines Albums vorstellen - Belasco verstehen ihr Handwerk wahrlich. Das beweisen sie auch mit den folgenden Songs, denn Belasco bedienen den Hörer nicht nur mit potentiellen Singles und sonst “Lückenfüllern”, sondern präsentieren ein abgestimmtes Gesamtwerk.

Weitere Höhepunkte des Albums verbergen sich in den Songs “In The End”, “Ask Me”, sowie “Butterflies” und “Lawman”, welches durch seinen Akustik- touch besticht und einen ganz eigenen Pol auf diesem Album bietet und gleich wieder von “Joseph Conin” überrumpelt wird, welches direkt, laut und bestimmt daherkommt.

Zusammenfassend ist “61″ genau das was dem Musikmarkt in letzter Zeit einfach fehlt: Innovation, energisch und offen. Belasco betreiben großes Kino und verdienen großen Erfolg. Schon jetzt kann ich nur sagen, dass Belasco mit den letzten zwei Platten (”Something Between Us - Best Of” und “61″) bewiesen haben, dass sie bereit für mehr sind.

“61″ - We All Need That Sometimes - Appell: geht und kauft.

Bewertung: 8/10 Punkten

Erscheinungsdatum: 23.02.2007
Plattenlabel: Supermusic/Alive
Website: www.belasco.de

Die deutsche Band Mardi Gras.bb, benannt nach dem “Fetten Dienstag”, dem Höhepunkt der Karnevalsveranstaltungen in New Orleans (das “bb” steht für “double bold”, und heißt in etwa “doppelt fett”; “bold” ist die Bezeichnung für fettgeschrieben im Englischen)) existiert in der ursprünglichen Besetzung als “Mardi Gras Brass Band” schon seit 1992, die drei Gründungsmitglieder Uli “Reverend” Krug (nach Bandaussage das “spirituelle Zentrum” der Gruppe), Jochen “Doc” Wenz und Erwin “Sir” Ditzner” sind der Band bis heute treu geblieben, werden allerdings momentan durch neun weitere Musiker unterstützt. Zum Orchester der Bigband, die sich musikalisch im Stil der Mississippi-Marchingbands ansiedelt, gehören sowohl Blechbläser wie u.a. Saxophon, Klarinette und Trompete als auch Trommeln und ein DJ. “The Exile Itch” ist das bereits siebte Album der Blues/Brass-Band und enthält in der limitierten Erstauflage die schon lang geforderte Live-DVD in Form eines 90-minütigen konzeptionellem Konzertfilmes, ein Mitschnitt aus dem UT Connewitz Leipzig vom Juni 2006, der sehr persönlich und originell ausfällt. Sehr hübsch übrigens auch das Cover der CD, eine nächtliche Versammlung von Rehen, ergänzt durch ein paar pinke und grüne Rehe auf Innen- und Rückseite. Der Titel bezieht sich auf das das utopische Nirgendwo des Künstlers, voller Sehnsucht nach Freiheit, untermalt mit einem hauch Melancholie und Schwermut.

So beschäftigt sich auch der erste Track des Albums, “Now that we´re gone” mit dem Versuch des Musikers, sich selbst durch seine Musik zu erneuern. Das Stück beginnt mit einer einzigen Akustikgitarre, bis nahezu euphorisch-kraftvoll, fast hymnisch, das Orchester und Doc Wenz´ Gesang einsetzt. Die Blechbläsermelodie zieht sich in leichter Abwandlung durch das ganze Lied hindurch und wird nur anfangs gesanglich unterstützt. Das anschließende “Life is lonely” ist eines meiner Lieblingsstücke, ein regelrechtes Gute-Laune-Lied, obwohl doch der Titel Anderes erwarten lässt. Der rauchige, tiefe Gesang steht auch hier nur zeitweise im Vordergrund, tritt jedoch in der Mitte des Liedes durch eine wunderschöne, mitreißende Gitarrenbegleitung hervor.

Entgegen meiner Vorurteile klingen Bluesstücke hier auch nicht eintönig, sondern sind meist sehr schön aufgebaut, mit verschiedenen Höhepunkten und leiseren instrumentellen Teilen, auch wenn sie nicht den typischen Aufbau Strophe/Refrain besitzen.

Der nächste Titel “Before you were my girl” ist eines der ruhigsten und melodischsten Stücke, bei dem der Gesang erneut im Vordergrund steht und Gitarre und Schlagzeug für eine angenehm rhythmische Melodie sorgen.

Der Stimme von Doc Wenz, der übrigens gelernter Arzt für Haut- und Geschlechtskrankheiten ist (daher auch der Spitzname) und zeitweise auch noch arbeitet, ist meist unglaublich mitreißend, leicht rauchig, sehr amerikanisch und manchmal auch ziemlich sexy, zum Beispiel bei Track 5 und 6, in der sie sich wohlverdient in ihrer vollen Breite präsentieren kann, wobei letzteres Lied mir fast schon zu langsam ist. Das macht allerdings das folgende “Happy Boy” mit seiner tanzbaren, fröhlichen Melodie wieder gut und erst recht “Snow on the Meadow”, mein erklärtes Lieblingslied des Albums. Das Glockenspiel im Hintergrund, der absolut göttliche Gesang und diese unglaublich schöne Melodie machen mich einfach nur glücklich und leiten für mich den Frühling samt Frühlingsgefühlen ein, auch wenn der Titel Schnee auf der Wiese verspricht.

Der vorletzte Track “Who sent the Rain” fällt ein wenig aus dem Rahmen, da er eine eher düstere Stimmung verbreitet und leicht dramatisch-gefährlich klingt. Das abschließende “My Heart Flies back to you” ist dann wieder sehr soulig und typisch bluesmäßig, recht langsam mit kratziger Stimme vorgetragen, ein sehr chilliger, entspannender Song als abrundenden Schluss, der im Verlauf teils lauter, kräftiger anschwillt, um gegen Ende leise flüsternd auszuklingen.

“The Exile Itch” ist insgesamt eine eher langsame, rhythmische und melodische Platte, die teils zum Tanzen, aber auch zum Nachdenken anregt, aber auch für gute Laune sorgt und mit Sicherheit eines nicht ist: eintönig. Mir als bevorzugtem Hörer von Indie, Alternative und Rock hält sie einige positive Überraschungen bereit, denn dass Blues/ Jazz so “rockige”, tanzbare und funkige Elemente beinhalten kann, hätte ich niemals erwartet. Die Musik von Mardi Gras.bb ist jedoch auf eine ausgefallene Art sehr modern und mitreißend und mitnichten veraltet oder langweilig. Dass die Musiker, wie man aus dem Interview auf der DVD erfährt, ihre Songs teilweise nackt einspielen und den Osten als “das Frankreich Deutschlands” bezeichnen (in Frankreich und den Beneluxländern sind Mardi Gras.bb. sehr viel berühmter), macht mir die Jungs gleich noch sympathischer. Lasst einfach mit dem Schnee auf der Wiese auch eure Vorurteile wegschmelzen…ein Hoch auf Geheimtipps!
Caroline Baetge

Bewertung: 9/10 Punkten

Mardi Gras.bb lieferten übrigens auch den Soundtrack zum Daniel Brühl-Film “Was nützt die Liebe in Gedanken” und aktuell auch zum Film “Wir werden und wiedersehn”, in dem die Band auch einen Kurzauftritt hat.

Erscheinungsdatum: 02.02.2007
Plattenlabel: Hazelwood/Indigo
Website: www.mardigrasbb.com